La pratique de jeu de l'élève est au cœur de cet enseignement.

L'élève assiste à six spectacles au moins dans l'année.

Des artistes professionnels engagés dans un travail de création.

Elle permet aux élèves de reconnaître et de décrire les composantes d'une représentation théâtrale.

Les connaissances acquises stimulent leur imagination artistique et approfondissent leur rapport à la scène.

Des répétitions ouvertes, des chantiers, des points d'étape du travail, et des présentations de fin d'année.

Elles doivent favoriser la dimension ludique et accueillir les tentatives et les 'ratages'.

Des questionnements politiques, sociologiques et esthétiques liés à la scène.

Les objectifs principaux sont de favoriser la mise en jeu de l'élève, d'explorer son imaginaire, de faire des propositions de jeu réfléchies, de découvrir ses possibilités physiques et vocales, de souligner la dimension collective du travail de scène, et de créer un cadre de recherche libre.

Les élèves doivent voir au minimum six spectacles par an.

Le professeur apporte des éléments de connaissance historiques, dramaturgiques et esthétiques qui nourrissent et accompagnent la pratique de l'élève.

Les élèves sont encouragés à être à la fois acteurs et spectateurs, s'engageant de manière créative et critique.

La dimension collective est privilégiée pour souligner l'importance du travail en groupe et de la collaboration sur scène.

Des extraits de textes de praticiens de la scène qui articulent des situations concrètes et des propositions théoriques.

Elles permettent aux élèves de découvrir la conjugaison entre réflexion, intuition, culture théâtrale et processus d'invention.

Les 'ratages' et les fragilités sont accueillis comme parties prenantes de la démarche de création.

Il est important d'élargir leur culture théâtrale pour nourrir leur pratique sur le plateau dans ses différents aspects.

Ils sont contextualisés par le professeur et mis en relation avec l'expérience du spectacle vivant pour nourrir l'imagination et le savoir théâtral.

Un fait théâtral désigne tout événement lié à une représentation scénique, à une performance ou à une situation où des éléments du théâtre sont en jeu. Il englobe plusieurs dimensions :

• Un acte de représentation : Un spectacle joué devant un public, que ce soit dans un théâtre, un espace public ou un cadre expérimental.
• Une relation entre acteurs et spectateurs : Le fait théâtral repose sur une interaction directe, immédiate et éphémère.
• Un dispositif scénique : Il implique une mise en espace, une mise en scène et un jeu d’acteur, même minimalistes.
• Une convention sociale et culturelle : Le théâtre étant ancré dans une époque et un contexte, le fait théâtral peut refléter les valeurs, les tensions et les esthétiques d’une société donnée.

Le fait théâtral ne se limite pas aux grandes productions, il peut aussi inclure des formes improvisées, rituelles ou performatives qui intègrent une dimension de jeu et de mise en scène.

Les éléments comprennent le jeu des acteurs, la scénographie, les costumes, le son, la lumière, la vidéo, la dramaturgie et la mise en scène.

Le théâtre est perçu comme un événement social qui implique des codes et des rites spécifiques, influencés par les époques et les cultures.

La perception du théâtre dans un contexte social varie en fonction des époques, des cultures et des publics concernés. Il peut être vu comme un divertissement, un outil d’éducation, un moyen de contestation ou encore un espace de réflexion collective.

1. Le théâtre comme divertissement populaire ou élitiste

Selon les contextes, le théâtre oscille entre un art accessible à tous et une pratique perçue comme réservée à une élite.

• Dans l’Antiquité, il était un événement collectif majeur, accessible à tous les citoyens, notamment en Grèce où il participait à la vie démocratique.
• À l’époque classique en France, sous Louis XIV, le théâtre devient un art noble avec Molière ou Racine, fréquenté par la cour mais aussi par la bourgeoisie émergente.
• Aujourd’hui, il existe un fossé entre un théâtre institutionnel (Comédie-Française, grands théâtres nationaux) souvent perçu comme élitiste et un théâtre de rue ou engagé qui cherche à toucher un public plus large.

2. Le théâtre comme outil d’éducation et de transmission culturelle

Dans de nombreux contextes, le théâtre joue un rôle pédagogique :

• Il permet d’enseigner la langue, l’histoire et les grandes œuvres littéraires.
• Il développe l’esprit critique et la capacité d’expression des jeunes, comme dans les ateliers de théâtre en milieu scolaire.
• Il sert à transmettre les traditions et la mémoire collective, notamment dans les sociétés où l’oralité est essentielle.

3. Le théâtre comme vecteur de contestation sociale

Le théâtre est souvent un lieu de résistance face aux oppressions et aux injustices.

• Bertolt Brecht, avec son théâtre épique, a dénoncé les dérives du pouvoir et du capitalisme.
• Le théâtre engagé, comme celui d’Aimé Césaire, a été un outil de lutte contre le colonialisme et pour l’émancipation des peuples.
• Les performances contemporaines, inspirées du théâtre documentaire, abordent les crises migratoires, les violences sociales ou les luttes féministes.

4. Le théâtre comme espace de cohésion sociale et de catharsis

Le théâtre crée du lien social en rassemblant des individus autour d’une expérience collective. Il offre aussi une catharsis, permettant aux spectateurs d’exprimer leurs émotions et de prendre du recul sur leur propre réalité.

• Dans les sociétés en crise, il permet de reconstruire une identité commune (ex : théâtre post-apartheid en Afrique du Sud).
• Dans les quartiers populaires, il est un levier d’inclusion sociale et de réappropriation de la parole.

En conclusion, le théâtre est perçu différemment selon les contextes : tantôt un loisir bourgeois, tantôt un outil de résistance ou d’éducation populaire. Mais il reste avant tout un espace vivant d’échange et de questionnement sur la société.

Le texte peut avoir différents statuts et usages, pouvant préexister à la représentation, être constitué pour une représentation donnée, ou naître du jeu.

Le texte au théâtre joue un rôle fondamental, bien qu’il ne soit pas toujours central selon les esthétiques et les pratiques. Son importance repose sur plusieurs aspects :

1. Une matrice pour la représentation

Le texte sert souvent de point de départ à la mise en scène et au jeu des acteurs. Il fixe les dialogues, les didascalies, l’intrigue et les intentions des personnages, donnant une structure à l’œuvre théâtrale.

2. Un vecteur de sens et d’émotion

À travers la langue, le texte transmet des idées, des émotions et des tensions dramatiques. Il est le support de la poésie du langage, des jeux de mots et du rythme, participant à l’identité esthétique d’une pièce.

3. Une mémoire du théâtre

Le texte permet la transmission des œuvres à travers le temps. Il conserve le patrimoine théâtral et permet de redécouvrir, adapter et réinterpréter les classiques dans de nouveaux contextes.

4. Un élément variable selon les formes théâtrales

• Théâtre classique (Racine, Molière, Shakespeare) : le texte est central, la mise en scène et le jeu s’adaptent à lui.
• Théâtre contemporain et expérimental (Artaud, Grotowski, Bob Wilson) : le texte peut être fragmenté, secondaire, voire absent au profit du corps, du son et de l’improvisation.
• Improvisation et théâtre performatif : le texte se crée en direct ou se dissout au profit d’autres langages scéniques.

5. Un outil d’interaction avec le public

Le texte peut engager le spectateur, provoquer la réflexion, poser des questions philosophiques, politiques ou sociétales. Il façonne la réception et l’interprétation de la pièce.

Les élèves explorent la parole sous des formes multiples, telles que la langue écrite, orale, versifiée, et en utilisant le corps et la voix.

La dramaturgie joue un rôle essentiel en structurant le récit et en guidant les interactions entre les acteurs et le public.

La dramaturgie est donc une réflexion sur la manière dont le théâtre raconte, touche et fait sens, que ce soit par le texte ou par la mise en scène.

Différentes formes de dramaturgie

• Dramaturgie classique (Aristote, Racine) : structure rigoureuse avec unité d’action, de temps et de lieu.
• Dramaturgie épique (Brecht) : narration non linéaire, distanciation, réflexion critique.
• Dramaturgie du théâtre de la cruauté (Artaud) : primauté du corps, du cri, du choc sensoriel.
• Dramaturgie post-dramatique (Lehmann) : remise en question du récit et des personnages, fragmentation, importance de l’image et du son.

Deux dimensions de la dramaturgie

1. La dramaturgie textuelle (ou littéraire) :

   • L'organisation de l'intrigue (exposition, nœud, péripéties, dénouement).
   • Les personnages et leurs fonctions dramatiques.
   • Les dialogues et leur rythme.
   • Les thèmes et la progression dramatique.

2. La dramaturgie scénique (ou mise en scène) :

   • L’interprétation du texte par le metteur en scène.
   • La relation entre texte, espace, corps et son.
   • L’impact sur le spectateur (identification, distanciation, immersion).

Analyser les spectacles permet aux élèves de repérer et d'analyser les choix artistiques et techniques qui composent une représentation.

Les dimensions incluent la présence des corps, les actes, les interactions et les rituels qui se déroulent en un lieu et un temps spécifiques.

La performance théâtrale est une notion large qui englobe plusieurs dimensions essentielles, à la fois artistiques, corporelles, techniques et spectatorielles. On peut identifier cinq grandes dimensions :

1. La dimension corporelle et vocale

• Le corps de l’acteur : posture, gestuelle, mouvement, danse.
• La voix : diction, intonation, volume, rythme.
• La présence scénique : capacité à capter l’attention et à occuper l’espace.
• L’improvisation : adaptation spontanée aux imprévus et interaction avec l’espace ou le public.

2. La dimension spatiale et scénographique

• L’espace scénique : rapport entre l’acteur et le décor, utilisation de la profondeur, des hauteurs.
• Le placement des acteurs : proxémie, positionnement par rapport aux autres et au public.
• Les éléments de mise en scène : costumes, accessoires, décors, lumières, projections.

3. La dimension dramaturgique et narrative

• L’histoire et sa progression : linéaire ou fragmentée, réaliste ou abstraite.
• Le texte et son interprétation : fidélité ou réinterprétation.
• La relation entre parole et action : dialogue, monologue, silence, gestes.

4. La dimension technique et sensorielle

• L’éclairage et la lumière : création d’ambiances, effets visuels.
• Le son et la musique : accompagnement dramatique, bruitages, voix off.
• Les effets spéciaux : projections vidéo, fumée, scénographies interactives.

5. La dimension spectatrice et immersive

• L’impact émotionnel : catharsis, identification, distanciation.
• L’interaction avec le public : regard, adresse directe, participation.
• La réception et l’interprétation : chaque spectateur perçoit différemment la performance.

La performance théâtrale est donc un ensemble dynamique où le jeu de l’acteur, l’espace, la technique et la perception du public se combinent pour donner naissance à une expérience unique.

Le théâtre sert de miroir à son époque en abordant des enjeux culturels et sociaux qui sont pertinents pour le public contemporain.

Le théâtre a toujours été un miroir de son époque, reflétant les préoccupations, les tensions, les évolutions culturelles et politiques de la société dans laquelle il s’inscrit. Il agit comme un témoignage vivant du contexte historique tout en engageant une réflexion critique. Plusieurs aspects expliquent ce rôle de reflet :

1. Un témoin historique et social

Le théâtre capture les valeurs, les conflits et les aspirations d’une époque.

• Dans l’Antiquité, la tragédie grecque (Sophocle, Euripide) illustrait les dilemmes moraux et politiques de la démocratie athénienne.
• À l’époque classique, Molière dépeint les hypocrisies de la société du XVIIᵉ siècle, comme dans Tartuffe (critique de la religion hypocrite) ou Le Bourgeois gentilhomme (satire de la bourgeoisie montante).
• Au XXᵉ siècle, le théâtre de l’absurde (Beckett, Ionesco) traduit l’angoisse et le désenchantement après la Seconde Guerre mondiale.

2. Un miroir critique et engagé

Le théâtre ne se contente pas de refléter son époque, il la questionne et parfois la dénonce.

• Bertolt Brecht, avec son théâtre épique, pousse le spectateur à une réflexion politique sur la montée du fascisme (La Résistible Ascension d’Arturo Ui).
• Wajdi Mouawad, dans Incendies, met en scène la mémoire et les traumatismes de la guerre civile libanaise, évoquant des conflits toujours actuels.
• Les dramaturges contemporains, comme Joël Pommerat, interrogent la mutation du monde du travail et des rapports humains dans une société en crise.

3. Une adaptation aux évolutions artistiques et technologiques

Le théâtre reflète aussi les avancées artistiques et technologiques :

• Du théâtre baroque à la scénographie contemporaine, il évolue avec les innovations techniques (projection vidéo, réalité augmentée, intelligence artificielle).
• De la commedia dell’arte au théâtre immersif, il suit les nouvelles formes de représentation et d’interaction avec le public.

4. Un espace de projection et d’utopie

Le théâtre ne se limite pas à montrer le réel, il propose aussi des visions alternatives, des futurs possibles, une réflexion sur ce que pourrait être la société. Il sert à dépasser l’époque qu’il reflète en offrant un espace de résistance et d’imagination.

En somme, le théâtre est un baromètre de son temps : il enregistre les mutations sociales, met en lumière les tensions du présent et invite à penser l’avenir.

L'aspect anthropologique du théâtre touche à la manière dont il reflète, façonne et interagit avec les cultures humaines. Voici quelques grandes lignes de cette approche :

1. Origines et fonctions sociales

• Le théâtre a des origines rituelles dans de nombreuses sociétés (Grèce antique, Afrique, Asie, Amérique précolombienne). Il servait souvent à renforcer la cohésion sociale et à communiquer avec le sacré.
• Il joue un rôle éducatif, moral et politique : en Grèce, la tragédie et la comédie étaient des moyens de réflexion sur la cité et ses valeurs.
• Le théâtre peut aussi être un outil de transmission de savoirs et de mémoire collective (théâtre épique de Brecht, théâtre-forum d'Augusto Boal).

2. Théâtre et identité culturelle

• Chaque société développe des formes théâtrales spécifiques (Nô et Kabuki au Japon, Kathakali en Inde, Commedia dell'arte en Italie, etc.).
• Le théâtre est un espace où se construisent et se remettent en question les identités (genre, classe sociale, appartenance ethnique...).
• Les langues et les traditions locales influencent fortement le théâtre, comme le montrent les pièces en dialectes ou en langues minoritaires.

3. Le théâtre comme miroir des tensions sociales

• Il permet d’explorer les conflits et contradictions d’une époque (Molière et la critique des mœurs, Shakespeare et les luttes de pouvoir, Aristophane et la satire politique...).
• Le théâtre engagé met en scène les luttes sociales et politiques (Brecht, Boal, le théâtre de l’opprimé).
• Il sert aussi de catharsis collective face aux crises (théâtre post-colonial, théâtre après des génocides ou dictatures…).

4. Théâtre et anthropologie du spectateur

• La réception des pièces varie selon les contextes culturels et historiques.
• Le rapport scène-salle évolue : du théâtre sacré aux formes interactives contemporaines.
• Les rituels de la représentation (costumes, codes gestuels, chants) participent d’un langage anthropologique complexe.

Le professeur de théâtre et l'artiste partenaire peuvent mener un, deux ou trois projets, alliant rigueur et plaisir, et impliquant une restitution devant un public.

L'élève est capable de s'engager activement sur le plateau, d'écouter et de collaborer avec ses partenaires. Il participe à la création et à la présentation d’une forme théâtrale, en explorant différentes composantes du spectacle. Il s’adapte à de nouvelles situations de jeu et relie son expérience scénique à ses connaissances théâtrales ou à son vécu de spectateur.

L'élève peut participer à l'élaboration d'une forme théâtrale en contribuant à une ou plusieurs composantes d’un projet, comme le jeu, la scénographie, le son, la musique, la lumière ou la vidéo.

L'élève doit s'impliquer dans une situation de jeu nouvelle en mettant en œuvre une démarche de création adaptée.

L'élève doit être capable de décrire les composantes d’un spectacle, d'analyser une représentation et d'approfondir sa connaissance des conditions de la création théâtrale contemporaine.

L'élève peut observer et analyser une représentation en considérant son aspect artistique, ainsi que sa dimension sociale et anthropologique.

L'élève doit formuler son expérience sensible d’un spectacle et la partager en classe, tout en développant un point de vue personnel argumenté.

La recherche documentaire est importante car elle permet à l'élève de mener une recherche au CDI ou sur internet et de la présenter de manière organisée à la classe.