Ivo van Hove

La radicalité n’est pas un vain mot. Ivo van Hove la traque dans toute son âpreté, sans la confondre avec l’outrance et encore moins avec l’outrage. La mise en scène est chez lui mise en tension de la scène. Les corps pulsent, les mots cognent. La musique s’enfièvre, les images s’animent et l’espace s’électrise. L’énergie fougueuse déchire, l’ardeur vitale concilie.. Depuis des années, Ivo van Hove s’entoure des mêmes collaborateurs, en particulier du scénographe Jan Versweyveld, et il anime une troupe soudée d’acteurs. Cette fidélité, cette cohésion nécessaires à l’établissement d’une confiance réciproque suscitent des expériences théâtrales chaque fois singulières. De spectacle en spectacle, l’intensité des émotions se renouvelle au contact d’une passion théâtrale communicative.

La poétique du théâtre selon Ivo van Hove

Le théâtre d’Ivo van Hove repose sur deux éléments essentiels : le texte et l’acteur. Le texte est le socle, l’acteur le relais. Ensemble, ils créent un spectacle où les mots prennent vie à travers l’interprétation intense des comédiens. Van Hove dissèque chaque texte avec une précision chirurgicale, cherchant à en extraire toute la force. De même, il pousse ses acteurs dans leurs retranchements, les amenant à jouer avec une intensité rare, comme des "gladiateurs sans bouclier"lancés dans l’arène. Ils donnent tout, chaque soir, entre maîtrise et spontanéité, vivant pleinement leur rôle tout en restant eux-mêmes.

Mais cette alchimie ne fonctionne qu’avec un espace scénique puissant. Son collaborateur Jan Versweyveld conçoit des décors qui évoluent au fil du spectacle : vastes espaces vides, boîtes étouffantes, images déstructurées. La vidéo, utilisée avec subtilité ou en force, et la musique, pulsante ou atmosphérique, enrichissent encore l’expérience.

Un théâtre en perpétuel mouvement

Regarder le théâtre d’Ivo van Hove seulement à travers l’usage de la vidéo ou l’actualisation des textes serait une erreur. Ces éléments ne sont que des outils, des moyens au service d’une ambition bien plus grande : faire entendre les mots autrement et plonger le spectateur dans une expérience brute et immédiate.

En intégrant des objets contemporains – smartphones, écrans, avatars numériques – il ne cherche pas à moderniser gratuitement les œuvres, mais à piéger le spectateur dans un miroir du réel, pour mieux l’entraîner au cœur des émotions humaines. De même, ses gros plans vidéo ne sont pas de simples artifices visuels : ils révèlent la vie secrète des corps, leur intensité, leur fragilité.

Son théâtre est un lieu d’urgence, où le jeu et l’être se confondent. Tout va vite : répétitions intenses, courses effrénées sur scène, émotions à vif. Même les moments de calme ne sont là que pour relancer la tension. Son approche ne repose pas sur une signature figée, mais sur une créativité sans cesse renouvelée, surprenant à chaque spectacle par un texte inattendu, une interprétation radicale ou une mise en scène saisissante.

Ses profondes motivations

Le seul théâtre qui vaille est pour moi un théâtre né d’un désir irrépressible, d’une profonde nécessité, comme s’il était vital de dire ce qu’on a à dire au moment où on le dit. C’est la seule manière de convaincre d’abord les acteurs, de les entraîner dans l’aventure, puis le public. Il faut y croire. Avant de pouvoir être disséqué et rationalisé, le choix d’une œuvre relève la plupart du temps de l’instinct. Ou de l’intuition. Il est lié à des raisons personnelles, à des questions qui m’obsèdent au moment où je l’effectue, puis il mûrit entre la formulation du projet et sa réalisation. Mais il reste aussi mystérieux que le sentiment amoureux. Comme le théâtre est un art collectif, cette passion doit être partagée. Avec elle vient donc la confiance : d’abord la confiance dans la décision qu’on a prise, puis la confiance dans l’équipe avec laquelle on collabore et à qui on délègue le soin d’en apporter le fruit au public. Le théâtre est mon lieu et mon moyen d’expression. C’est là que j’analyse les comportements humains. Par l’intermédiaire des acteurs, je livre mes opinions et explore mes interrogations intimes ou mes fantasmes extrêmes. Comme tout le monde, j’ai connu plusieurs périodes dans ma vie. J’ai évolué, le monde a changé. Pour cette raison, l’ensemble de mes spectacles dessine mon autobiographie masquée. Bien sûr, on y retrouve des auteurs de prédilection et des thématiques récurrentes, des absences aussi, que j’assume, mais surtout mes goûts, mes coups de cœur et mes questionnements à différentes époques de ma vie. Je peux ressentir quelques déceptions, mais je n’éprouve ni regrets ni frustrations.

L’intensité du réel sur scène

Ivo van Hove ne se contente pas de représenter, il fait surgir le réel sur scène, brut, imprévisible, dangereux. Son théâtre est un lieu où la performance infiltre chaque spectacle, créant des instants où le jeu se suspend pour laisser place à une vérité immédiate.

Depuis ses premières mises en scène, il cherche à effacer la frontière entre l’art et la vie. Dans Les Bacchantes, il s’inspire de la performance radicale de Marina Abramovic et Ulay en plaçant une véritable flèche dirigée vers le torse d’un acteur. Dans Scènes de la vie conjugale ou Persona, les coups sont réels, les baisers aussi. Les acteurs se jettent sous des douches bien réelles, cuisinent et mangent sur scène : le théâtre devient expérience sensorielle totale.

Cette quête de vérité va jusqu’à l’introduction d’animaux vivants – chevaux, vaches, poules – qui apportent l’inattendu du réel. Pour van Hove, ils ne détournent pas l’attention mais renforcent l’intensité dramatique, créant une forme d’hyperréalisme scénique.

Sa mise en scène puise également dans les arts plastiques : Yves Klein inspire Cris et chuchotements, Paul McCarthy marque Le Misanthrope. Si certains y voient une provocation, c’est avant tout une manière de tisser un dialogue entre le théâtre et d’autres formes artistiques, sans jamais perdre de vue l’essentiel : le texte comme point d’ancrage.

Le texte : le théâtre comme résonance du présent

Pour Ivo van Hove, raconter des histoires est l’essence même du théâtre. Ce qui l’anime, c’est l’exploration des relations humaines, de leurs ambiguïtés, de leurs contradictions et, surtout, de l’amour sous toutes ses formes – cet amour imparfait, instable, mais qui persiste au-delà de la passion.

S’il rejette un théâtre purement psychologique, il ne craint pas la psychologie elle-même. C’est ce qui explique son attachement à Eugene O’Neill, qu’il place au rang de Shakespeare. Peu importe l’auteur, il sonde le texte en profondeur : chaque réplique est disséquée, interrogée, mise en résonance avec l’ensemble. Son objectif n’est pas une fidélité servile mais une quête de vérité : comment faire vibrer l’esprit du texte aujourd’hui ?

Van Hove aborde chaque œuvre comme si elle venait d’être écrite. La mise en scène est un art du présent, et peu importe l’époque d’origine d’un texte, il doit résonner avec notre monde. Refusant le poids d’une reconstitution historique, il use souvent de transpositions et de technologie – non comme une fin en soi, mais comme un levier pour retrouver l’intensité originelle d’une pièce.

Technologie et mise en scène : un dialogue au service du théâtre

Ivo van Hove rejette l’idée selon laquelle son théâtre se réduirait à une omniprésence technologique. Il n’utilise la vidéo et la sonorisation que lorsqu’elles servent le propos scénique, toujours en veillant à ce que le spectacle repose avant tout sur le jeu des acteurs. Son objectif est de leur donner le sentiment qu’ils portent réellement la représentation.

La vidéo, loin d’être un simple artifice, crée une nouvelle forme de vie sur scène. Elle impose deux registres de jeu – l’un intime, l’autre démonstratif – et renforce la perception du présent. En aiguisant les sens, elle rapproche le théâtre de la performance : difficile de mentir lorsque l’on est filmé. La vidéo agit comme une médiation entre acteur et spectateur, tout en permettant d’explorer d’autres espaces scéniques, comme les coulisses ou la rue.

La sonorisation des voix suit la même logique. Elle n’est pas systématique, mais elle offre un confort de jeu et une proximité nouvelle. Les micros permettent aux acteurs de moduler leur voix, d’explorer la subtilité des murmures sans perdre leur intensité. Ils recréent une intimité sonore qui aurait été perdue dans un décor trop vaste, comme dans Hedda Gabler ou Scènes de la vie conjugale.

Un théâtre au-delà du politique : l'exploration des complexités humaines

Malgré les tragédies politiques qu’il a mises en scène (Tragédies romaines, Caligula), Ivo van Hove ne se considère pas comme un metteur en scène militant ou didactique. Son théâtre expose, mais ne propose ni solutions ni réponses. Pour lui, le politique n’est qu’une facette du champ social, dont il préfère sonder l’immense complexité.

Son intérêt pour Molière en tant que sociologue de son époque illustre cette approche : il observe les comportements humains et leurs contradictions plutôt que de porter un message univoque. De même, en adaptant Rocco et ses frères, il a abordé l’émigration non sous un prisme idéologique, mais à travers la tension entre attachement aux origines et désir d’émancipation.

Le théâtre, selon lui, est un lieu amoral, non pas immoral, mais affranchi des valeurs de la vie courante.Contrairement à une vision qui refuse de mettre en scène l’horreur au nom d’une éthique, il revendique la liberté absolue de la représentation. Le théâtre ne doit pas refléter la réalité, mais montrer ce qui échappe au regard quotidien, ce que l’on refuse de voir. Il suit en cela l’idée de Harold Pinter : "regarder de l’autre côté du miroir"plutôt que tendre un simple reflet.

Ce n’est pas la politique qui l’intéresse, mais l’observation des comportements humains, où se nouent enjeux sociaux et conflits personnels. C’est par ce biais que son théâtre devient subversif : il explore les désirs, les peurs, les tensions enfouies, à la manière d’un rêve révélant l’inconscient. À l’opéra notamment, il trouve un terrain propice à cette tension entre intime et collectif, entre drame personnel et résonance sociale.

Un artiste aux multiples facettes

Ivo van Hove, c’est plus d’une centaine de spectacles, du théâtre à l’opéra, où chaque mise en scène dialogue avec les précédentes. Son style ? Un mélange explosif entre une direction d’acteurs d’une précision incroyable et l’utilisation des technologies modernes – vidéo, son, cinéma – sans jamais que cela prenne le pas sur le jeu des comédiens. Rien n’est figé avant la première : chaque spectacle évolue, mûrit, jusqu’à être prêt à rencontrer le public.

Sur la scène internationale, il s’impose rapidement comme un créateur incontournable. En France, il est révélé en 1999 grâce à India Song de Marguerite Duras. Il enchaîne ensuite les collaborations avec les plus grandes institutions, notamment le Festival d’Avignon, où il marque les esprits en 2008 avec Les Tragédies romaines, un condensé saisissant de trois pièces de Shakespeare. En 2014, il y revient avec The Fountainhead, une plongée dans l’univers du capitalisme et de l’art.

Sous le signe de Shakespeare

En 2015, Ivo van Hove frappe fort avec plusieurs spectacles marquants en France. Il met en scène une version épurée de Mary Stuart de Schiller et propose une adaptation d’Antigone de Sophocle avec Juliette Binoche dans le rôle principal. Mais c’est avec Vu du pont, tragédie d’Arthur Miller jouée à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, qu’il réalise sa première mise en scène en français.

L’année suivante, il revient avec Kings of War, un condensé explosif de trois pièces de Shakespeare (Henri V, Henri VI, Richard III). Ce spectacle dissèque les mécanismes du pouvoir et la guerre avec une mise en scène percutante. Chaque roi dévoile une facette différente de l’exercice du pouvoir : Henri V, stratège et conquérant ; Henri VI, fragile et dépassé ; Richard III, manipulateur et tyrannique. La modernité du spectacle frappe fort, notamment lorsque Richard III passe des appels téléphoniques à Obama, Merkel et Poutine ! Fidèle à son style, van Hove utilise la vidéo, la musique et un décor minimaliste mais puissant pour renforcer l’impact de son propos.

En 2016, il ouvre le Festival d’Avignon avec Les Damnés, une adaptation du film de Luchino Visconti, jouée par la Comédie-Française. Ce spectacle explore la montée du nazisme et les compromissions d’une grande famille bourgeoise, faisant écho à notre époque. Van Hove, déjà habitué à adapter des films sur scène, continue ainsi de repousser les limites du théâtre, transformant chaque représentation en une expérience intense et inoubliable.