L'espace au théâtre / Les éléments de la représentation

Définitions et spécificités

Étymologiquement, le mot théâtre dérive du grec theatron, qui signifie « lieu d'où l'on voit ». Cependant, l’espace théâtral ne se limite pas à la scène où jouent les acteurs. Il inclut également l’espace occupé par les spectateurs et les interactions entre ces deux sphères.

Anne Ubersfeld, dans L’Espace théâtral (1980), met en lumière deux caractéristiques principales de cet espace :

La concrétude et la délimitation : L’espace théâtral est toujours défini physiquement et spatialement.
La co-présence simultanée des acteurs et des spectateurs : cet aspect souligne la nature relationnelle et interactive de l’espace théâtral.

L’espace théâtral ne renvoie donc pas à une forme unique ou immuable. Il désigne plutôt un rapport dynamique :

Rapport entre la ville et ses espaces théâtraux.
Rapport entre la scène et la salle.
Rapport entre les acteurs et les spectateurs.

En cela, l’espace théâtral devient un outil analytique, permettant d’appréhender chaque expérience théâtrale dans sa singularité.

Le théâtre grec: une référence fondatrice

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Un modèle symbolique et politique

Le théâtre grec du Ve siècle avant J.-C. constitue une référence souvent mythifiée. Il est perçu comme un modèle fondateur du théâtre pour plusieurs raisons :

Un espace démocratique : Il était directement lié à la vie de la cité, bien que situé hors de l’agora.
Une distinction claire : Les spectateurs, placés en hauteur dans l’hémicycle, observaient les acteurs sur la scène.
Un caractère commémoratif et politique : Les rassemblements lors des grandes Dionysies ou des Lénéennes renforçaient la dimension collective et civique du théâtre.

Ce lien entre le théâtre et la communauté s’est maintenu à travers les époques, bien que l’architecture et les usages aient évolué.

Voir l'article sur le théâtre grec pour en savoir plus :

Théâtre grec

Sédentarité et Nomadisme

Théâtre sédentaire

Avec le temps, des espaces fixes et institutionnalisés se sont développés, notamment à partir de la Renaissance. Le théâtre à l’italienne devient alors le modèle dominant en Europe :

L’architecture organise de manière stricte le rapport entre scène et salle.
La hiérarchie sociale est reflétée dans l’agencement des places pour les spectateurs.
Un éclairage public, comme les lustres, souligne le caractère mondain des représentations, où « être vu » devient aussi important que « voir ».

Théâtre nomade

En parallèle, une autre tradition persiste : celle des espaces théâtraux non institutionnalisés.

Ces espaces sont souvent en plein air, comme les parvis d’églises au Moyen Âge ou les places publiques.
Le théâtre de tréteaux ou de rue reflète une forme de théâtre intégrée à la vie sociale, souvent improvisée.

Même dans ces contextes, l’organisation spatiale repose sur des conventions, garantissant l’interaction entre acteurs et spectateurs.

Les Transformations Modernes de l’Espace Théâtral

De nouvelles dynamiques

À partir de la fin du XIXe siècle, le rapport entre scène et spectateurs devient un objet d’expérimentation. Des figures comme Edward Gordon Craig, Adolphe Appia, Erwin Piscator, Jacques Copeau et Max Reinhardt cherchent à transformer la perception de l’espace théâtral.

Denis Bablet identifie quatre tendances majeures dans ces expérimentations :

Adapter les théâtres existants (comme les théâtres à l’italienne).
Créer de nouvelles architectures unifiant scène et salle.
Explorer des lieux alternatifs en dehors des bâtiments traditionnels.
Concevoir des théâtres transformables, adaptés aux besoins des créations.

Nouveaux espaces, nouvelles esthétiques

L’influence des scénographes devient centrale, témoignant de l’importance accrue de l’espace comme élément poétique et dramatique.

Par exemple, Wagner inaugure en 1876 le Festspielhaus de Bayreuth, conçu pour mettre en valeur la fusion entre espace, son et dramaturgie.
Plus récemment, André Engel (Dell'Inferno, 1982) ou Klaus Michael Grüber (Le Voyage d’hiver, 1977) réinventent les espaces scéniques en rupture avec les conventions traditionnelles, jouant sur l’abstraction ou le parcours

Une Définition Minimaliste : Peter Brook et l’Espace Vide

Dans L’Espace vide (1977), Peter Brook propose une définition radicalement simple du théâtre :

« Je peux prendre n’importe quel espace vide et l’appeler une scène. Quelqu’un traverse cet espace pendant que quelqu’un d’autre l’observe, et c’est suffisant pour que l’acte théâtral soit amorcé. »

Cette approche met en évidence :

La réduction de l’espace théâtral à sa condition essentielle : la co-présence de l’acteur et du spectateur.
La liberté infinie offerte par cette définition, qui fait de l’espace un concept autant physique qu’abstrait, esthétique et social.

Différentes dispositions scéniques

Théâtre à l'italienne

Dans la scène à l’italienne, l’action et les acteurs sont confinés à une boîte ouverte frontalement au regard du public et du prince dont la position d’écoute et d’observation est privilégiée. Ce type de scène organise l’espace selon le principe de la distance, de la symétrie et de la réduction de l’univers à un cube qui signifie l’univers entier par le jeu combiné de la représentation directe et de l’illusion.

La scène frontale, à l’italienne, qui encadre et met en perspective les événements, sera par exemple particulièrement propre aux effets illusionnistes du trompe-l’œil.

Dispositif frontal contemporain

Dispositif bifrontal

Replacée au centre d’un dispositif scénographique bi-frontal, afin de casser le quatrième mur traditionnel du genre, la pièce devient objet d’étude, la pièce ET le regard sur la pièce ; le genre et la distance avec le genre, ce qui en rend le propos encore plus percutant, plus drôle et plus vertigineux. Cette scénographie permet d’en multiplier les points de vue. Elle révèle les mécaniques, crée de l’intimité, nous implique et nous convoque, joue de nous et avec nous. Cela peut faire peur…

Les spectateurs sont assis de part et d’autre et se voient les uns les autres ; entre les deux gradins face à face se définit une longue bande où jouent les acteurs.

La bifrontalité crée un effet de proximité qui nous renvoie à la primitivité du théâtre et qui donne l’impression au spectateur d’être de plein pied dans le spectacle.

De plus elle provoque un effet spéculaire puisque le public se voit voir. Quelque chose de l’assemblée politique semble s’y incarner, comme si le spectacle était le prétexte au rassemblement du peuple, au face à face du collectif avec lui-même. Ce qui explique probablement que la bifrontalité séduise les metteurs en scène qui mettent le politique au cœur de leur travail

Dispositif trifrontal

Replacée au centre d’un dispositif scénographique bi-frontal, afin de casser le quatrième mur traditionnel du genre, la pièce devient objet d’étude, la pièce ET le regard sur la pièce ; le genre et la distance avec le genre, ce qui en rend le propos encore plus percutant, plus drôle et plus vertigineux. Cette scénographie permet d’en multiplier les points de vue. Elle révèle les mécaniques, crée de l’intimité, nous implique et nous convoque, joue de nous et avec nous. Cela peut faire peur…

Les spectateurs sont assis de part et d’autre et se voient les uns les autres ; entre les deux gradins face à face se définit une longue bande où jouent les acteurs.

La bifrontalité crée un effet de proximité qui nous renvoie à la primitivité du théâtre et qui donne l’impression au spectateur d’être de plein pied dans le spectacle.

De plus elle provoque un effet spéculaire puisque le public se voit voir. Quelque chose de l’assemblée politique semble s’y incarner, comme si le spectacle était le prétexte au rassemblement du peuple, au face à face du collectif avec lui-même. Ce qui explique probablement que la bifrontalité séduise les metteurs en scène qui mettent le politique au cœur de leur travail

Dispositif quadrifrontal

Le dispositif scénique quadri-frontal permet d’entrer dans l’intimité des personnages, lesquels, encerclés par les spectateurs, ne peuvent rien cacher de leurs états d’âme.

-Hamlet--CIE VOL PLANÉ-

Dans un dispositif quadri-frontal dépouillé de tout artifice, les spectateurs sont tour à tour observateurs, personnages et décor, complices et témoins de la fabrique du théâtre. À portée de leurs mains, quatre acteurs se partagent le rôle d’Hamlet, rejouent l’Histoire à quatre voix et offrent une représentation pensée comme une répétition, avec ses incises, ses coupes et ses commentaires. Une expérience théâtrale inédite !

Dispositif circulaire

Si l’on admet l’origine rituelle du théâtre, la participation d’un groupe à un cérémonial, un rite, puis à une action ritualisée, le cercle figure le lieu primordial et la scène ne réclame pas un angle de vue ou une distance particuliers. Le cercle – dont s’inspire le théâtre grec, lequel est à la fois construit et naturellement creusé au flanc d’une colline .

Dans le théâtre en bois élisabéthain dont le toit circulaire est à ciel ouvert. Le wooden O, comme l’a nommé Shakespeare avait alors pour fonction de conserver un lien avec les vestiges du théâtre. Rappelons que ce théâtre anglais représente un lieu intermédiaire entre le monde supra-céleste (dont la forme circulaire du toit à ciel ouvert rappelle le symbole) et le monde terrestre. Pendant la période médiévale, cette symbolique de l’espace a joué un rôle fondamental dans la répartition des spectateurs, placés en arc de cercle au plus près de l’action scénique. En effet, à cette époque le lien métaphysique, qui unit l’ensemble des interprètes et de l’audience, peut justifier une proximité plus importante avec la salle. Lorsqu’au XIXème siècle, les artistes de théâtre optent pour ce dispositif, ils opèrent cependant un retour vers un mode plus archaïque du théâtre.

Théâtre de rue

Interaction avec le public : La scénographie doit faciliter l'interaction directe avec le public. Les acteurs peuvent interagir avec les spectateurs et même les intégrer à la performance, nécessitant une conception qui encourage la participation spontanée.
Conception visuelle accrocheuse : Étant donné que le théâtre de rue se déroule souvent dans des environnements bruyants et animés, la scénographie doit être visuellement accrocheuse pour attirer l'attention des passants.
Théâtre itinérant : La scénographie peut être conçue pour des performances itinérantes où les acteurs se déplacent d'un endroit à un autre. Cela nécessite une conception qui s'adapte facilement à différents contextes.
Utilisation de structures temporaires : Des structures temporaires, telles que des tréteaux, des tentes ou des structures légères, peuvent être utilisées pour créer des espaces scéniques éphémères dans des lieux extérieurs.
Son et éclairage extérieurs : La scénographie doit prendre en compte les conditions de lumière naturelle changeantes et les bruits ambiants. Des solutions créatives d'éclairage et de sonorisation peuvent être nécessaires pour garantir une expérience optimale.

Lieux atypiques

Le théâtre hors les murs est une approche qui consiste à sortir des lieux de représentation traditionnels tels que les théâtres et à investir d’autres espaces.

Définition : Le théâtre hors les murs, également appelé théâtre en plein air ou théâtre nomade, se produit dans des endroits non conventionnels tels que des parcs, des places publiques, des jardins, des usines désaffectées, etc. L’objectif est de rendre le théâtre accessible à un public plus large en sortant des cadres habituels.

Accessibilité : Le théâtre hors les murs permet d’atteindre des publics qui ne fréquentent pas nécessairement les théâtres traditionnels.

Créativité : Les espaces extérieurs offrent des possibilités créatives pour la mise en scène, les décors et les effets spéciaux.

Déambulation

Les arts de la rue, comme le joueur de flûte de Hamelin, hameçonnent et transportent leur auditoire dans le dédale des villes grâce aux pouvoirs de la musique et de l’image. Une forme particulière, que nous choisissons de nommer la déambulation théâtrale, mise davantage sur les mots. Ce recours au texte comme support premier pour entraîner artistes et public dans un déplacement collectif fait sa singularité.

Immersif

Plus moderne et technologique, le dispositif scénique immersif intègre souvent des projections vidéo, des effets sonores, et des jeux de lumière pour immerger complètement le public dans l’univers du spectacle. Ce type d’espace scénique offre une expérience multisensorielle unique.

L'espace au théâtre